{"id":119,"date":"2019-03-14T14:04:26","date_gmt":"2019-03-14T13:04:26","guid":{"rendered":"https:\/\/diffringfoundation.com.web6.webflow.de\/?page_id=119"},"modified":"2025-05-06T16:37:34","modified_gmt":"2025-05-06T14:37:34","slug":"diffring-award","status":"publish","type":"page","link":"https:\/\/www.diffringfoundation.com\/?page_id=119","title":{"rendered":"Diffring Award"},"content":{"rendered":"\n
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Mit der \u00dcbertragung des Stiftungsverm\u00f6gens der JACQUELINE DIFFRING FOUNDATION an die Stadt Koblenz im Jahr 2022 obliegt dessen Verwaltung als JACQUELINE DIFFRING COLLECTION dem Mittelrhein-Museum. Damit f\u00e4llt auch die Auslobung des DIFFRING PREISES F\u00dcR SKULPTUR in seine Zust\u00e4ndigkeit. Dieser wird seit 2008 satzungsgem\u00e4\u00df an eine K\u00fcnstlerin oder einen K\u00fcnstler in der Gattung Skulptur oder Plastik vergeben. Der Preis ist mit 5.000 Euro dotiert. Er richtet sich an junge, noch nicht arrivierte internationale K\u00fcnstlerinnen und K\u00fcnstler bis zum 40. Lebensjahr, die an einer deutschen Kunstakademie oder Kunsthochschule studieren oder studiert haben. Das Werk soll inhaltliche oder formale Bez\u00fcge zum Oeuvre der Stifterin Jacqueline Diffring (1920-2020) aufweisen.<\/p>\n\n\n\n

DIFFRING PREIS F\u00dcR SKULPTUR 2025<\/strong> <\/p>\n\n\n\n

Mit dem Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2025<\/em> wird Luisa Heinz<\/strong> geehrt. Die Jury zeichnet die in M\u00fcnchen lebende K\u00fcnstlerin f\u00fcr ihre besondere k\u00fcnstlerische Leistung aus.
Dar\u00fcber hinaus erhielten die Einsendungen von Lasse M\u00fcller und Valeria Stuflesser eine lobende Erw\u00e4hnung ehrenhalber f\u00fcr die vorz\u00fcgliche Qualit\u00e4t ihrer Arbeiten.<\/p>\n\n\n\n

Luisa Heinz erforscht in ihren Werken die Grenze zwischen menschlichen und nichtmenschlichen Lebewesen, nicht zuletzt, um die anthropozentrische Perspektive zu \u00fcberwinden. Besonders Kleidung und Masken als \u201ezweite Haut\u201c unterzieht sie in ihren Arbeiten einem Umwandlungsprozess. Dabei steht der intuitive, sch\u00f6pferische Prozess im Dialog mit einer konzeptionell orientierten Forschung, die rein theoretische, aber auch k\u00f6rperorientierte Elemente integriert. Heinz nimmt die Gegenwart als krisenhaft wahr und fragt in ihren Werken \u201ewas es bedeutet, heutzutage ein sich entfaltender, bewusster Mensch zu sein, der in Beziehung zu sich und seiner Umwelt lebt und w\u00e4chst\u201c. Hier sieht sie auch die Beziehung zum Werk von Jacqueline Diffring (1920 \u2013 2020), die in ihrer Zeit und unter den Bedingungen der gro\u00dfen Zivilisationskrise von Nationalsozialismus und Weltkrieg, sich eine Gegenw\u00e4rtigkeit ihrer bildnerischen Sprache erst m\u00fchsam erarbeiten musste.
Theoretischer Ausgangspunkt des Schaffens von Heinz ist die Besch\u00e4ftigung mit philosophischen Fragestellungen zu den Grundlagen des menschlichen Seins und der Existenz in einer bedrohten \u00d6kosph\u00e4re. Heinz \u00fcberf\u00fchrt diesen theoriegeleiteten Diskurs in eine Arbeitsweise, die skulpturale, performative und filmische Elemente vereint. In Anlehnung an k\u00fcnstlerische Vorg\u00e4nger wie Joseph Beuys gebraucht sie Kleidung, Masken und Stoffe wiederkehrend als Metaphern, um Prozesse individueller Wandlungsf\u00e4higkeit wie kollektiver Fortentwicklung unter variierenden Vorzeichen zu verdeutlichen. Sie versteht ihren eigenen K\u00f6rper als Bezugspunkt f\u00fcr ihr k\u00fcnstlerisches Schaffen. Neben der Kompetenz zur steten Reflexion des eigenen Seins und Wollens erachtet Heinz hierbei das Erleben der Selbstwirksamkeit als entscheidend, das zur Gestaltung vielseitiger Interaktionsebenen beitr\u00e4gt, ebenso wie es den einzelnen wieder zu sich zur\u00fcckf\u00fchrt. F\u00fcr Komplexit\u00e4t und Dynamik dieser Beziehungsgeflechte findet Heinz beeindruckende Bilder.  <\/p>\n\n\n\n

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Mitglieder der Jury 2025<\/strong> waren Dr. Matthias von der Bank, Direktor Mittelrhein-Museum, Joachim Becker, k\u00fcnstlerischer Berater Jacqueline Diffring Collection<\/em>, Antje Kraus, wissenschaftliche Mitarbeiterin Jacqueline Diffring Collection<\/em>, Ingo Schneider, Dezernent f\u00fcr Bildung & Kultur der Stadt Koblenz und Dr. Julia Wallner, Direktorin Arp Museum Bahnhof Rolandseck.<\/p>\n\n\n\n

Die Preisverleihung findet am Sonntag, den 29.6.2025 um 11 Uhr<\/strong> im Mittelrhein-Museum Koblenz im Rahmen der Er\u00f6ffnung der Kabinettausstellung\u00a0Luisa Heinz l Becoming Creature l Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2025<\/strong><\/em>\u00a0statt.\u00a0<\/p>\n\n\n\n

LUISA HEINZ <\/strong>
*1997 in Essen
2024 AdBK M\u00fcnchen, Diplom Freie Kunst
2023 AdBK M\u00fcnchen, Klasse von Raphaela Vogel Nachfolge A. Bircken, Freie Kunst
2023 AdBK M\u00fcnchen, Gast Klasse von Alexandra Pirici, Performance
2020-23 AdBK M\u00fcnchen, Klasse von Alexandra Bircken, Freie Kunst
2019-20 Kunstakademie D\u00fcsseldorf, Klasse von Dominique Gonzalez-Foerster, Freie Kunst
2018-19 Kunstakademie D\u00fcsseldorf, Grundstudium, Freie Kunst
2017-18 HBK Braunschweig, Studium der Kunstwissenschaft<\/p>\n\n\n\n

Kontakt<\/strong>:
Mittelrhein-Museum Koblenz \/ Jacqueline Diffring Collection <\/strong>
Dr. Matthias von der Bank l Direktor
Antje Kraus l Wissenschaftliche Mitarbeiterin 
Zentralplatz 1
56068 Koblenz 
E-Mail: info@mittelrhein-museum.de 
Tel.: 0261 129-2502 | www.mittelrhein-museum.de <\/p>\n\n\n\n

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Leiter der Jury 2021:<\/strong>
Joachim Becker, k\u00fcnstlerischer Leiter und Treuh\u00e4nder der Stiftung
Beratende Jury-Mitglieder<\/strong> 2021:
Marlene Mohn
Sophia Pomp\u00e9ry
Dr. Detlef Sch\u00e4fer
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Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2021<\/strong><\/span>
Die Preisverleihung findet anl\u00e4\u00dflich der Einzelausstellung von Louise Lang<\/strong>
im Mittelrhein-Museum Koblenz<\/strong> statt. Vernissage 03.02.2023,
Ausstellung vom 04.02. bis 30.04.2023<\/p>\n\n\n\n

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Louise Lang, Wellenbruchkugel, 2016, ofengeblasenes Glas, ca. 20 x \u00f822 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2018<\/span><\/strong>
Ahmed Ramadan<\/strong> erh\u00e4lt den Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2018.
Die Preisverleihung findet anl\u00e4\u00dflich seiner Einzelausstellung in der Kommunalen Galerie Berlin statt.<\/p>\n\n\n\n

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Mit 14 Jahren \u00fcbt er sich in Kalligrafie und entwickelt besondere handwerkliche F\u00e4higkeiten. Mit 16 Jahren ist er selbstst\u00e4ndiger Innenarchitekt. Die Triebkraft k\u00fcnstlerischen Schaffens f\u00fchrt ihn an die Universit\u00e4t der K\u00fcnste in Damaskus. Doch sein freiheitliches Streben steht den Ausbildungszw\u00e4ngen in klassischen naturalistischen Techniken entgegen. Abstraktion ist verboten. Seine Meister sind Cezanne und Marwan.
2011 politische Inhaftierung, Flucht nach Deutschland.
Hier entwickelt er seine k\u00fcnstlerische Sprache in Malerei, in grafischen und in dreidimensionalen Arbeiten, in Installationen, die den Betrachter herausfordern, Teilnahme und Betroffenheit evozieren, Imagination erm\u00f6glichen. Die Werke von Ahmed Ramadan zeugen von einer existentiellen Auseinander-setzung mit einer gesellschaftlichen Realit\u00e4t, in der humane Verantwortlichkeit zunehmend schwindet.
Biografische Bedingtheiten und aktuelle Alltagserfahrungen sind seine Motive, die er, poetisch und tiefgr\u00fcndig, empathisch ins Werk setzt. Flucht und Verfolgung, Identit\u00e4tsbr\u00fcche, Verlust von Natur- und Kulturbindung (vgl. Diffring: \u201eBeing rooted\u201c) ebenso wie tagespolitische Nachrichten, seelische und k\u00f6rperliche Dem\u00fctigung, Brutalit\u00e4t gegen Obdachlose (\u201eHomeless\u201c, 2018), Ausgegrenzten, \u201eden Anderen\u201c. Das Thema bestimmt die Form, die keiner stilistischen Festlegung folgt. Detailgenauigkeit ist ihm wichtig. Es ist ein meditativer Prozess in dem Ahmed Ramadan alchimistisch, sorgf\u00e4ltig differenziert dem Medium, dem Material \u2013 Glas, Kohle, Lehm, Stahl \u2013 einen der Idee ad\u00e4quaten Grund verleiht.
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Zwei Seelen, Photo: Daniel Rupp<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

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Das Meer, Detail<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n\n\n\n
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Homeless 1<\/figcaption><\/figure>\n<\/div>\n<\/div>\n\n\n\n

Der Boden seines k\u00fcnstlerischen Schaffens wird zum Bedeutungstr\u00e4ger, mal durchscheinend, Struktur freilegend, mal undurchdringlich, sich schwer lastend in die Erde dr\u00fcckend \u2013 eindringlich in eine \u201eArch\u00e4ologie\u201c des kollektiven Bewusstseins. Das Leiden an der Wirklichkeit wird Skulptur, von verursachendem Schmerz \u00fcber eine Welt von zunehmender Brutalit\u00e4t und Aggression \u2013 allgegenw\u00e4rtig in den Bildmedien, die die Welt durchleuchten. Die \u00c4sthetik seiner Arbeiten beherbergt Sch\u00f6nheit und Wahrheit, zartes Empfinden und<\/em> schneidende Verletzung von Gef\u00fchlen. Wie ein Schleier bedeckt der Farbauftrag das sich enth\u00fcllende Thema.
Erfahrungen von Gewalt und Schmerz bestimmen die Materialien. Spitze, gef\u00e4hrliche Glasscherben ragen aus der Leinwand in den Raum hinein: Assoziationen zu ehemals heilen Raps- und Mohnfeldern, Vogelschw\u00e4rmen oder Meereswellen. In seinen emotional anziehenden skulpturalen Reliefs bindet er Licht, Zeit, Verg\u00e4nglichkeit. Seine Arbeiten f\u00fcllen spannungsvoll den Raum, suchen einen Dialog mit dem Betrachter, durch dessen Bewegung sich das Kunstwerk erschlie\u00dft.<\/p>\n\n\n\n

Die Weite der Landschaft, Farben und Ger\u00fcche der syrischen W\u00fcste finden heute als Sehnsuchtsbilder in seiner Malerei und Skulptur einen sensiblen Ausdruck \u2013 Spuren sichtbar machen, Wachhalten von schwindenden Erinnerungen (vgl. Diffring \u201eMemory\u201c). In seiner Kunst, besonders in der Malerei, bewahrt sichAhmed Ramadan vor dem Verlust der in Natur und Kultur beheimateten Gef\u00fchle seiner Kindheit (vgl. Diffring \u201eBeing rooted\u201c).
\u201cZwei Seelen\u201c, 2018: Zerrissenheit zwischen einer vertrauten arabisch gepr\u00e4gten Identit\u00e4t und einer fremden, wachsenden europ\u00e4ischen, globalisierten, in der Migration und plurale Identit\u00e4ten zunehmend Normalit\u00e4t werden. Sein besonderes Abstraktionsverm\u00f6gen verleiht dem sogenannten Individuellen allgemeing\u00fcltige Werte. Er reflektiert in seinen Werken Bed\u00fcrfnisse des Menschen nach Geborgenheit, Behausung, Harmonie, Frieden und Freiheit. 
Die Werke von Ahmed Ramadan k\u00f6nnen als mahnende Symbole f\u00fcr zuk\u00fcnftige Gesellschaften gelesen werden. Er ber\u00fchrt \u2013 kraftvoll und still \u2013 die gro\u00dfen Fragen des Menschseins in seiner kulturellen Entwicklung und appelliert mit seinen Werken hoffnungsvoll an ein globales humanistisches Bewusstsein, an eine rasant schwindende HI (humanistische Intelligenz)! 
(Joachim Becker, 02\/2019)<\/em><\/p>\n\n\n\n

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DIFFRING-PREIS F\u00dcR SKULPTUR 2008 – 2017 (please scroll down):<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Kyoeng Sub YUE
Guillem Nadal
Zurab Bero
Dorit Trebeljahr
Andrea Boller
Sophia Pomp\u00e9ry
„Festival of Future Nows“
Yuni Kim
„Et continua… – Hommage an Jacqueline Diffring“
Gary Schlingheider<\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2008<\/strong>
Der Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2008 wurde dem s\u00fcdkoreanischen K\u00fcnstler KYOENG SUB YUE<\/strong>
am 18. Dezember 2008 in der Botschaft der Republik Korea, Kulturabteilung, in Berlin verliehen.<\/p>\n\n\n\n

Kyoeng Sub Yue studierte an der Universit\u00e4t der K\u00fcnste in Berlin bei Prof. Dieter Appelt und ist Meistersch\u00fcler von Stan Douglas (2005). Erste Gruppenausstellungen erfolgten u.a. mit Tony Cragg und Rebecca Horn.
Dem k\u00fcnstlerischen Werk von Kyoeng Sub Yue liegt die urspr\u00fcngliche ostasiatische Ethik vom Einklang des Menschen mit der Natur und vom harmonischen menschlichen Zusammenleben zu Grunde. Die Wahrheiten der \u2019conditio humana\u2019 und die Forderung nach Bewu\u00dftwerdung geben seinen Arbeiten ihre inhaltliche Bedeutung: das Sichtbarmachen des Verborgenen, des Vergessenen, die Wahrnehmung des Menschseins heute mit seinen existentiellen \u00c4ngsten und Bed\u00fcrfnissen und das Fragen nach den menschlichen Werten der Zukunft sind seine Sujets. Dabei ist das Durchdringen von Raum, Zeit und Dimensionen ein elementares Bestreben von Yue.
Kyoeng Sub Yue erhielt den Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2008 f\u00fcr sein skulpurelles Werk, das sich seit Beginn seines noch jungen k\u00fcnstlerischen Schaffens in vielf\u00e4ltigen Formen und Techniken darstellt. Die \u2019sculptura\u2019, das klassische substraktive Verfahren entwickelt er mit ebenso bemerkenswerter Sensibilit\u00e4t und Poesie wie auch das additive plastische Gestalten seiner Werke. Figuren aus Holz, Zweigen oder aus Staub kreiert, sind geheimnisvolle transkulturelle Behausungen einer Idee, aufbewahrende H\u00fcllen von Ged\u00e4chtnis.<\/p>\n\n\n\n

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 Mann mit Boot, 2008, Holz,
28,5 x 14 x 30 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Moon, 2005, Fotografie, Lambda Print, 100 x 218 cm, d\u00e9tail<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Operation 1, 2006, Mischtechnik, 120 x 20 x 15 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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 The Thinker, 2008, Mischtechnik, Staub, 17 x 7 x 8,5 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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 Normadic-House-Primavera, 2005, Fotografie, Lambda Print, 100 x 100 cm<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n
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Kyoeng Sub YUE, 2008<\/figcaption><\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n

Die Materialit\u00e4t ist stets ein begr\u00fcndeter Teil des Themas. Form, Material, Medium und Thema bedingen sich gegenseitig und verschmelzen auf der Bedeutungsebene zu einem Ganzen. Das mehrdimensionale Denken ist elementar in allen Arbeiten von Yue vorhanden. Nicht allein das Fig\u00fcrliche – selbst schon sinnstiftendes Symbol – ist Projektionsfl\u00e4che f\u00fcr Imagination. Das skulpturelle Sehen findet seinen \u00e4sthetischen Ausdruck ebenso in der Fotografie, Installation, Zeichnung und im Film. Die ephemere Skulptur bewahrt ihre plastische Spannung in der Fotografie auf. Dem K\u00fcnstler gen\u00fcgt jedoch nicht eine dokumentarische Aufnahme des Kunstgegenstandes, vielmehr steigert er die Wahrnehmungsm\u00f6glichkeiten des Rezipienten indem er ihn aus der Realit\u00e4t l\u00f6st und in eine imagin\u00e4re surreale Welt stellt.
Jacqueline Diffring schrieb zu ihrer Skulptur \u2018Das Verlangen zu Empfangen\u2019: \u201cDer Wunsch, sich weiter zu entwickeln – der Sch\u00f6pfung begegnen und sie erkennen, kontemplativ sein – ist wahrer Sinn des Lebens.\u201d Die Arbeiten von Kyoeng Sub Yue sind Meisterwerke der Kontemplation.<\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2009<\/strong>
Guillem Nadal<\/strong> erh\u00e4lt den Diffring-Preis 2009 f\u00fcr sein skulpturales Werk.<\/p>\n\n\n\n

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Nadals Sprache ist die Sprache der Poesie. Seine Werke erm\u00f6glichen die vielschichtige Erfahrung von \u00c4sthetik, von wahrem Ausdruck, wo Wahrheit und Sch\u00f6nheit eins sind.
Nadal stellt in seinen Werken die Frage nach dem Wesen der menschlichen Existenz, nach der  \u2019conditio humana\u2019.
Sein Werk ist durchdrungen von plastischem Sehen, es \u00e4u\u00dfert sich in figurativen Skulpturen, raumf\u00fcllenden symbolhaften Installationen und Assemblagen, assoziativen Anordnungen von \u2019objets trouv\u00e9s\u2019.
Das Streben in die dritte Dimension ist dem Werk von Guillem Nadal seit Anbeginn seines k\u00fcnstlerischen Schaffens immanent. Zweige ragen schon in fr\u00fcheren Arbeiten aus Leinw\u00e4nden in den Raum hinein und zeichnen einen unendlichen Gedankenweg zwischen Vergangenheit und Zukunft. Seine Bildsprache hat ihren Ursprung in Beobachtungen der Natur, als dessen Teil er sich versteht. Sein Atelier ist das gro\u00dfe Reservoir, das die Erde freigibt, Fossilien, Kadaver, Fundst\u00fccke mit Geschichte im Fluss der Zeit.<\/p>\n\n\n\n

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Nadal versetzt das Unerkl\u00e4rliche  in ein Artefakt von poetischer Klarheit. In seinem skulpturalen Werk, ob figurativ oder abstrakt,  k\u00f6nnen kunsthistorische Bez\u00fcge auftauchen von Rodin bis Twombly,  und dennoch ist er in seiner ganz eigenen \u00e4sthetischen Ausdrucksweise unverkennbar und charakteristisch.
Das Thema dominiert authentisch die Form, sie ist Gegenstand des elaborierten Ausdrucks von Wahrhaftigkeit. Archaisch, mystisch, mit Teer \u00fcberzogen oder schwarz patiniert, entzieht sich die Oberfl\u00e4che einer haptischen Gef\u00e4lligkeit. Sie verweist auf einen tieferen Sinn, dem Nadal Volumen und Spannung verleiht. Die Form ist gestaltgewordene Idee, Wissen.<\/p>\n\n\n\n

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Mythen des Mittelmeerraumes klingen an und nehmen Platz in unserer globalisierten Welt. Ein sensibles Tangieren mit Licht und Schatten, mit bedrohlicher Fragilit\u00e4t, enth\u00e4lt \u201ddas Versprechen des Gl\u00fccks, das gebrochen wird\u201d (Adorno). Guillem Nadal verliert sich nicht im sch\u00f6nen Schein, unter der Oberfl\u00e4che lauern stets vulkanische Deutungs- und Bewu\u00dftseinsschichten. Und auch wenn der Mensch nicht direkt Gegenstand der Darstellung ist, so ist er doch immer bedeutend anwesend. Nadal entspricht mit seinen Arbeiten einer ethischen Weltsicht der Antike, die zeitlos der Menschbildung verpflichtet ist.
Das Kunstwerk, in seiner zeitgen\u00f6ssischen Auspr\u00e4gung, ist Indikator f\u00fcr Bewu\u00dftseinsgeschichte. Nadal stellt den heutigen Menschen in Beziehung zu seinen geistigen Wurzeln, mythologisch, philosophisch, psychologisch (\u2019Being rooted\u2019, Diffring). Der Zyklus von Leben und Tod als Chance.
Guillem Nadal begreift unsere individuelle Lebenszeit, unsere kulturellen Erneuerungen als Sediment, das er als kurzfristige Schichtung an die Oberfl\u00e4che sp\u00fclt \u2013 und im kollektiven Unbewussten der Menschheit verankert.<\/p>\n\n\n\n

Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2010<\/strong>
Der Diffring-Preis 2010 wird in der Botschaft von Georgien in Berlin an den Bildhauer ZURAB BERO<\/strong> verliehen.<\/p>\n\n\n\n

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Die bildhauerische Arbeit von Zurab Bero geht bis in in die fr\u00fche Kindheit zur\u00fcck. Mit 17 Jahren erwirbt er das Diplom zur Aufnahme an der Akademie der K\u00fcnste Tbilissi \/ Georgien. 11 Jahre sp\u00e4ter, als Meistersch\u00fcler des englischen Bildhauers Prof. David Evison an der Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin, wird er mit dem Jacqueline Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2010 ausgezeichnet. 
Tbilissi – Berlin. Tiere und Menschen sind seine ersten Motive, figurativ aus Erde geschaffen. Sein handwerkliches K\u00f6nnen entwickelt er von naturalistischen, hyper-realistischen Darstellungen \u00fcber Abstraktion zu einer authentischen konzeptuellen Arbeit, die f\u00fcr den Betrachter zu einem sinnlichen und kognitiven Erlebnis wird. Das bildhauerische Werk von Zurab Bero umfasst eine Vielfalt k\u00fcnstlerischer Mittel, die er parallel oder kompositorisch als \u201dcross over\u201d innovativ einsetzt.
Am Anfang steht die Idee, das Thema bestimmt das Medium. Vision wird Material. Erde, Stein, Neue Medien.  Lothar Baumgarten, Rebecca Horn, Bill Viola haben k\u00fcnstlerische Spuren hinterlassen, poetisch, philosophisch, imagin\u00e4r.  Licht und Zeit, Lebenszeit und Hoffnung sind zentrale Themen in seinen installativen Arbeiten (2008), in denen er dem Skulpturalen eine architektonische Dimension hinzuf\u00fcgt. Film und Objekt (seit 2009) bilden formal ein Diptychon: Der Gegenstand korrespondiert mit dem filmischen Szenario, verbindet Realit\u00e4t und Fiktion, fragt nach deren \u00dcberg\u00e4ngen und bindet den Betrachter animierend spielerisch in das Geschehen ein. Die Symbolkraft der Skulptur verweist auf die symbolisch handelnden Darsteller, denen als \u201dlebendige Skulpturen\u201d metaphysische Bedeutung zukommt.<\/p>\n\n\n\n

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Zurab Bero sch\u00f6pft aus dem gro\u00dfen Reservoir der Geschichte, der immerg\u00fcltigen Geschichten der Menschheit, ihren Bedrohungen, \u00c4ngsten und Sehns\u00fcchten. Er thematisiert Mythologien (z.B. Medea, Jason), ebenso wie individuelle Erfahrungen, aktuelle politische und \u00f6kologische Bedingungen, die zunehmende Zerst\u00f6rung von Natur, von Leben und Lebensraum, von kultureller Identit\u00e4t.
Uralte vor-menschliche Lebewesen, Quallen, Hummer, Schildkr\u00f6ten, sind Projektionsfl\u00e4che seiner k\u00fcnstlerischen Intention. Gedankliche Panzer aufbrechen: \u201dFlying Turtle\u201d. Zurab Bero bewirkt Befreiung aus stereotypischen Sichtweisen (\u201dSuprimer les pens\u00e9es statique\u201d, Diffring 2010) und das Erkennen des Wirklichen, das, was hinter dem Erscheinungsbild liegt (\u201dThe Inner Eye\u201d, Diffring, 1982) – das wahre Wesen von Dingen und Situationen sichtbar machen ist seine \u2018option fundamental\u2019.<\/p>\n\n\n\n

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Skulpturale Spannung steigert sich in der Kontrastierung von Medien und Materialit\u00e4t: leicht-schwer, starr-beweglich, hart-weich usw. Um die Realit\u00e4t bewu\u00dft zu machen, bedient er sich oft surrealer Ausdrucksformen. In der Absurdit\u00e4t liegt die Wahrheit verborgen (Andr\u00e9 Breton). Scheinbare Gegens\u00e4tze l\u00f6sen sich auf – Traum Wirklichkeit. Das Federkleid erst l\u00e4sst die Fragilit\u00e4t, die Verwundbarkeit der Schildkr\u00f6te assoziieren, die nur in ihrem freien Flug ihrer Ausrottung entkommt. Aus der Distanz zu erdbedingter Bindung erkennt sie im \u00dcberflug ihre begrenzte Lebenszeit und liefert dem Betrachter imagin\u00e4r den Transfer zu seiner eigenen \u2018Lebenserwartung\u2019.<\/p>\n\n\n\n

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Zurab Bero appelliert an humanistische Verantwortung, seine Werke sind durchwebt  von sozialer  Integrit\u00e4t. Dem Leiden an  gesellschaftlichen Wunden begegnet er mit Ironie, Optimismus und Leidenschaft. \u201dDas Leben ist sch\u00f6n\u201d, sagt er und installiert Erdm\u00e4nnchen (\u201dEmigranten\u201d 2010), die riskant balancierend auf einer Br\u00fccke kontinuierlich ihren Weg gehen\u2026<\/p>\n\n\n\n

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Der Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2011<\/strong>
Den Diffring-Preis 2011 erh\u00e4lt die K\u00fcnstlerin DORIT TREBELJAHR<\/strong><\/p>\n\n\n\n

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Dorit Trebeljahr steckt in ihren Arbeiten \u2013 authentischer kann Kunst nicht sein! Ihre Skulpturen animieren den Betrachter selbst hineinzuschl\u00fcpfen, um nachzuempfinden \u2013 und sich selbst zu finden.<\/p>\n\n\n\n

Die Arbeiten von Dorit Trebeljahr sind biografisch begr\u00fcndet. Ihre pers\u00f6nlichen gro\u00dfen Ereignisse des Lebens sowie allt\u00e4gliche Erfahrungen deutet sie um, stellt sie auf eine imagin\u00e4re B\u00fchne, auf eine Ebene, auf der sie im Transfer den Betrachter trifft. Sie bietet ihm Fl\u00fcgel an, F\u00fchler oder Korsagen aus Plastikkabeln oder zerschnittenen Feinstrumpfhosen und Nadeln, immer wieder Nadeln, gezielte Akupunktur. Das k\u00fcnstlerische Repertoire reicht von Skulptur bis Performance.
Ihrer \u2019arte povera\u2019 verleiht sie mit g\u00fcldenem Anstrich und glitzernden Oberfl\u00e4chen \u201dKostbarkeit\u201d\u201a die von Geschmackskriterien weit entfernt ist. Wertvoll ist nicht das Material, sondern das Thema, das jeden Menschen betrifft.
Seelische Strukturen nach au\u00dfen tragen ist zentrale Motivation im Schaffen von Dorit Trebeljahr, in sensibler Balance von Poesie und Kalk\u00fcl. Ambivalenzen, Widerspr\u00fcche vereinen sich im so genannten Sch\u00f6nen. Realit\u00e4t und Wahrheit werden hinterfragt und im \u00e4sthetischen Prozess materialisiert. Dialektisch verf\u00fchrt Trebeljahr den Betrachter, zieht ihn in einen Bann von barockem, surrealem Zauber \u2013 um ihn dann an der Erkenntnis des Scheinbaren und der Wirklichkeit teilhaben zu lassen. Wahrheit ist sch\u00f6n und so verzeiht man der K\u00fcnstlerin schnell, wenn der anziehende Glanz sich entpuppt als Konglomerat aus stechenden Nadeln, Nieten und Gitterdraht. Umarmungen, die weh tun. Mit der Lust zur Freiheit, zum Fliegen, nach Leichtigkeit, geht die Erinnerung an Prometheus einher.<\/p>\n\n\n\n

Dorit Trebeljahr thematisiert Sehns\u00fcchte und Leidenschaften und auch die Tr\u00e4nen des Eros (Bataille). Fragilit\u00e4t als St\u00e4rke. Schutz vor Verletzlichkeit enth\u00e4lt metamorphisch selbst aggressives Potential.<\/p>\n\n\n\n

Verlust von Bodenhaftung, von Sicherheit: ein schwebendes Kleid f\u00fcr die Hochzeit mit dem Tod, das Fest: ein Drama;  ein  Schutzraum aus R\u00fcschen entlarvt sich als gef\u00e4hrlicher Drachenschwanz (aus Fahrradschlauch). Idol oder D\u00e4mon (vgl. Diffring), das eine existiert in und durch das Andere und ist beides zugleich. Die Differenzierung von (scheinbaren) Gegens\u00e4tzen spiegelt sich ad\u00e4quat in Trebeljahrs erfindungsreicher Materialwahl. Innerer Monolog wird zum vielstimmigen Chor, in Skulpturen, installativen Reliefs, Objekten, gezeichneten und gestickten Papierbildern, h\u00e4ngend, schwebend, anlehnend oder in Architektur eingreifend.<\/p>\n\n\n\n

Gedankenlinien werden in einer Form streng gefasst, in filigranen Strukturen, von Nylonf\u00e4den und Gummischnur umgarnt,  geschmeichelt und gefangen – Symbiosen, die von einander leben.
Dorit Trebeljahr sch\u00f6pft in ihrer eigenwilligen Formensprache aus dem unendlichen Reich der Natur. Binsenschmuckzikaden, Sing- oder Kaiserzikaden sind ihre Modelle, die sie phantasievoll ihrer Idee, dem \u00e4sthetischen Ausdruck ihrer psychischen Bedingtheit unterordnet, mit  einem herzhaften Lachen \u2013 und traurigen Augen.<\/p>\n\n\n\n

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Dorit Trebeljahr, lebt und arbeitet in Berlin, geb. 1977 in Torgau (Sachsen),
1996-2001 Studium Geschichte, Psychologie, Germanistik und Rehabilitationsp\u00e4dagogik in Wuppertal und Berlin.
2001- 2004 Tanzausbildung, Berlin.
2001 Beginn der k\u00fcnstlerischen Ausbildung in Berlin bei M. Seidemann (Grafik) und R. Schmidt-Matt (Bildhauerei).
2004 – 2010 Studium Bildende Kunst, Bildhauerei, Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin (UdK).
2010 Meistersch\u00fclerin von Prof. David Evison, UdK.<\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2012<\/strong>
Den Diffring Preis f\u00fcr Skulptur 2012 erh\u00e4lt die brasilianische K\u00fcnstlerin ANDREA BOLLER<\/strong>.
Die Preisverleihung findet am 24.10.2013 in der brasilianischen Botschaft in Berlin statt.<\/p>\n\n\n\n

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Am Anfang war die Linie.
Radierungen und  schwarz-wei\u00df Zeichnungen brechen auf zu (kleinformatigen) raumsprengenden Skulpturen aus Licht, Schatten und Farbe, zu raumf\u00fcllenden Installationen, zu konzentrierten Performances. 
Andrea Boller sch\u00f6pft aus der Linie heraus ein Spannungsverh\u00e4ltnis zwischen Ich und Du. Licht und Schatten geben den Themen Volumen.<\/p>\n\n\n\n

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Sie stellt erneut die Frage \u201dworaus der Mensch gebaut ist\u201d. Sie beschreibt  Schichten einer Pers\u00f6nlichkeit, Erfahrungen, Erinnerungen in \u00dcberlagerungen von Materialien \u00ad\u00ad\u2013 durchl\u00e4ssige Gitter. Licht, das Symbol f\u00fcr Erkenntnis durchdringt alle Ebenen. Licht=Farbe, Farbe=Licht, Schatten=Farbe. Illusion\u00e4r, imagin\u00e4r werden Konstanten gebrochen, Schein und Wirklichkeit erfragt. 
Es geht um menschliche Beziehungen! Das Verh\u00e4ltnis der Materialien zueinander (oft Fundst\u00fccke) beschreibt symbolisch Emotionen \u2013 ein austangieren von Gef\u00fchlen, Schwingungen. Die Vereinigung zweier Kr\u00e4fte vergr\u00f6\u00dfert sich im variablen Lichteinfall bis ins Gigantische ohne Ma\u00dfst\u00e4be und l\u00f6st ein Gef\u00fchl unendlicher Freiheit aus.
Architekturale Skulptur, Schattenzeichen, Ged\u00e4chtnis, Auf der Suche nach einem latenten Gleichgewicht, Paare <\/em>\u2013 sind Themen, bei Jacqueline Diffring figurativ-abstrakt gefasst, in der Tradition der englischen Schule nach Henry Moore, bei Andrea Boller radikal minimalistisch in der \u00d6konomie der Materialwahl, bei beiden auf das Wesentliche ihrer \u00e4sthetischen Formgebungen reduziert.<\/p>\n\n\n\n

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Die Wandskulpturen von Andrea Boller erreichen in der Paarbeziehung von fest<\/em> und beweglich<\/em> (Metall und Folie) ein harmonisches Ganzes. Das Material folgt einer spielerischen Choreografie, zwanglos. Skulptur wird hier zu einem aktuellen Ereignis, sie ver\u00e4ndert sich einerseits mit der Bewegung des Betrachters im Raum, andererseits durch zeitliches Fortschreiten des nat\u00fcrlichen Lichtwinkels.
Wiederholungen, den Kreislauf der Natur, zeigt z.B. die Installation \u201dKnoten\u201d, die sie in den Raum flie\u00dfen l\u00e4sst, ohne Anfang und Ende (Loop), immergleich \u2013 immerneu.
Schatten sind und zeigen die Konsequenz einer formalen Situation, einer Bewegung, von Handlungen. Jedes Handeln oder Nichthandeln birgt Konsequenzen. Die gegenst\u00e4ndliche Seite steht f\u00fcr Bewusstheit, ihr Schatten f\u00fcr das Unbewusste. Beides bedingt sich gegenseitig. Die installativen Plastiken tragen die Option der Ver\u00e4nderung in sich.<\/p>\n\n\n\n

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Andrea Boller thematisiert die Zusammengeh\u00f6rigkeit von Gegens\u00e4tzen und ringt der Form (dem Leben) immer neue Facetten ab. Verschiedene Lichtquellen lassen unterschiedliche Standpunkte assoziieren, lassen die Welt nicht nur von einem Standpunkt aus sehen. Sensible Differenzierungen, Zwischent\u00f6ne, Unsch\u00e4rfen sind die andere Seite des materiellen Konzepts. Wichtig sind der K\u00fcnstlerin die skulpturellen Erlebnisse an sich, gleichwertig sind ihr die Reflexe \/ Reflexionen, die sie ausl\u00f6sen. Die Form, das Konkrete, erweitert, vollendet sich in der immateriellen geistigen Welt. Die immaterielle Dimension von konkreten  Geschehnissen sichtbar machen ist die Kunst von Andrea Boller.<\/p>\n\n\n\n

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Naheliegenden Kategorisierungen in Konstruktivismus oder Konkrete Kunst entzieht sie sich immer wieder. In ihren Performances ist die K\u00fcnstlerin selbst auch Form. Inszenierte Bewegung thematisiert Zeit, macht f\u00fchlbar das Drama der Endlichkeit. Tod.
Dominant in den Raum gesetzte Bodenplastiken, vieldimensionale \u201dRaumzeichnungen\u201d evozieren Assoziationen zur String-Theorie und sprengen die Grenzen der Zeitwahrnehmung und des Kausalit\u00e4tsdenkens.
Die Werke von Andrea Boller sind extensiv und ungebunden, sie forcieren beim Betrachter \u00fcber die \u00e4sthetische Faszination hinaus ein Denken zu bewusstseinserweiternden, grenz\u00fcberschreitenden M\u00f6glichkeiten.<\/p>\n\n\n\n

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ANDREA BOLLER
geboren 1980 in Sao Paulo, Brasilien,
lebt und arbeitet in Berlin.
Meistersch\u00fclerin bei Prof. Karsten Konrad, Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin, 2012<\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2013<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Der Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2013 wird an SOPHIA POMP\u00c9RY<\/strong> verliehen.
Die Verleihung findet in Kooperation mit der Akademie der K\u00fcnste Berlin am 14.12.2014 statt.<\/p>\n\n\n\n

Menschen brauchen Kunst und die Kunst von Sophia Pomp\u00e9ry braucht den Menschen \u2013 als essentiellen Bestandteil der Werkvollendung. Die K\u00fcnstlerin bereitet das Terrain f\u00fcr eine \u00e4sthetische Praxis, f\u00fcr eine soziale Skulptur.
Die Einbeziehung des Betrachters, sein stiller Dialog beim Betrachten ihrer Skulpturen \u2013 Videos und Objekte \u2013 ist der k\u00fcnstlerischen Arbeit immanent. Die Person selbst ist bewegte Skulptur in einem Raum, in einem sozio-kulturellen, politischen Kontext.
Bereits die klassische statische Skulptur verlangt durch ihre Dreidimensionalit\u00e4t die Bewegung des Betrachters. Das Kunstwerk entsteht erst vollst\u00e4ndig in der Erfassung aus mehreren Perspektiven, das sich wiederum im jeweiligen Raum, sowie den Raum selbst, ver\u00e4ndert, neu erfindet.<\/p>\n\n\n\n

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Die Abwendung von prim\u00e4r materiellem Arbeiten f\u00fchrt bei Sophia Pomp\u00e9ry zu einer radikal subjektiven und authentischen Arbeitsweise, gepr\u00e4gt von Objektfreiheit und einer ungew\u00f6hnlichen Sichtweise auf die Dinge, die den Betrachter in die Entlarvung von scheinbaren Sicherheiten, Vorurteilen und konventionellem Objektivit\u00e4tsdenken einbezieht.
Spiegel und Spiegelungen sind wiederkehrende Elemente im Werk von Sophia Pomp\u00e9ry. Spiegel der Welt, Spiegel des Ichs \u2013 nicht die optische Wiedergabe ist entscheidend, sondern die Erfahrung mit der Konfrontation des Erscheinungsbildes. Eingravierte Sentenzen liefern Denkbausteine f\u00fcr eine individuelle Architektur von Gedanken.<\/p>\n\n\n\n

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\u201eMein Ziel ist es, mit m\u00f6glichst wenigen Mitteln m\u00f6glichst viele Assoziationsebenen zu er\u00f6ffnen \u2013 Bilder hinter dem Bekannten zu zeigen, die die Betrachter auf poetische Weise tiefer in ihre pers\u00f6nliche Geschichte hineinziehen \u2013 ganz still, ohne zu kompromittieren.\u201c
Sophia Pomp\u00e9ry animiert den Betrachter, ein Akteur der Selbsterkundung zu werden. Doch je dichter er dem Spiegelbild (Wahrheit?) nahekommt, je diffuser, je unbestimmbarer wird es. Wirklichkeit = Illusion?
Verschiedene Perspektiven, verschiedene Standpunkte thematisieren die Variabilit\u00e4t von Wirklichkeit, ihre Verhandelbarkeit. Sophia Pomp\u00e9ry zweifelt an Ma\u00dfst\u00e4ben und Gesetzm\u00e4\u00dfigkeiten. Ihre Themen basieren auf Erfahrungen in der Gegenwart und auf Antizipation zuk\u00fcnftiger Gegenwarten. Motive findet sie bei der fotografischen Erkundung ihrer allt\u00e4glichen Umgebung. Objets trouv\u00e9s<\/em> wecken skulpturale Faszination.
Die technische F\u00fchrung des Objektivs der Kamera (Foto  oder Film) folgt dem Drang nach Wissen und Erkenntnis. Sophia Pomp\u00e9ry verwendet Materialien, die sie wissenschaftlichen, physikalischen und chemischen Experimenten unterzieht. Das Ver\u00e4nderliche, das Ephemere in ihren Werken, trans- und multimediale Prozesse schaffen nicht nur wertvolle \u00e4sthetische Augenblicke, sondern \u00f6ffnen unerwartete Reflektionsr\u00e4ume. Bez\u00fcge zu elementaren philosophischen Fragen werden ans Licht ger\u00fcckt, Vanitas, der Narziss-Mythos, immerg\u00fcltige Themen der Kunstgeschichte werden neu erz\u00e4hlt.<\/p>\n\n\n\n

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Pomp\u00e9ry schreibt die kunstgeschichtliche Tradition der Erweiterung des Kunstbegriffs fort. Dabei gibt sie jedoch das sch\u00f6pferische Potential nicht an digitale Neue Medien ab. Ihr k\u00fcnstlerischer Ansatz erfordert ihre ganz eigene differenzierte Sensibilit\u00e4t bei der analogen manuellen Ausf\u00fchrung ihrer Ideen.<\/p>\n\n\n\n

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Die fragile Sch\u00f6nheit ihrer Werke erschlie\u00dft in einzigartiger Symbol- und Anziehungskraft verborgene R\u00e4ume, ideelle und skulptural-architektonische, \u00f6ffnet unendliche Horizonte, ob malerisch- oder filmisch-skulptural.<\/p>\n\n\n\n

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Im weiten Spektrum ihrer Arbeitsweise zeigt sich die K\u00fcnstlerin als eine \u201eWahr-sagerin\u201c. Sie befragt Realit\u00e4t nach ihrem Konstrukt von Wirklichkeit und erm\u00f6glicht uns, staunend und emotional gereizt, Bewusstsein f\u00fcr die Relativit\u00e4t von so genannter Objektivit\u00e4t zu erfahren.
(Joachim Becker, 2014)<\/p>\n\n\n\n

SOPHIA POMP\u00c9RY
geboren 1984 in Berlin, lebt und arbeitet in Berlin.
Studium der Bildhauerei, Kunsthochschule Berlin-Wei\u00dfensee (KHB), 2002-2009
Diplom bei Karin Sander und Eran Schaerf, KHB, 2008
Meistersch\u00fclerin bei Antje Majewski, KHB, 2009 und Institut f\u00fcr Raumexperimente bei Olafur Eliasson, Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin, 2009-2010
www.sophiapompery.de<\/em><\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2014<\/strong><\/p>\n\n\n\n

Die Meistersch\u00fcler-Klasse von Olafur Eliasson<\/strong>, Institut f\u00fcr Raumexperimente, erh\u00e4lt den
Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2014. Er wird zum ersten Mal an eine Vielzahl junger K\u00fcnstler vergeben.<\/p>\n\n\n\n

Zu Gast in der Neuen Nationalgalerie Berlin intervenieren sie in eine Installation von David Chipperfield. Die schwebenden S\u00e4ulen\/B\u00e4ume Chipperfields sind strukturierendes Fundament f\u00fcr raumdurchdringende ephemere, choreografische, performative Skulptur, Installationen und Objekte.Innen- und Au\u00dfenraum verschmelzen zu einem Gesamtkunstwerk in einem FESTIVAL OF FUTURE NOWS.<\/strong><\/p>\n\n\n\n

\u201eThe past is never dead. It\u2019s not even past<\/em>.\u201c (William Faulkner)<\/p>\n\n\n\n

Die Vergangenheit nicht leugnen, sondern sie anreichern mit Wissen aus physikalischen, biologischen, chemischen, mathematischen oder architektonischen Experimenten und Erkenntnissen ist eine Maxime des vor f\u00fcnf Jahren gegr\u00fcndeten Instituts f\u00fcr Raumexperimente. Die hier repr\u00e4sentierten K\u00fcnstler dieser \u201eKlasse f\u00fcr Bildhauerei\u201c an der Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin \u2013 von Olafur Eliasson geleitet, betreut, gef\u00f6rdert und inspiriert \u2013 erschlie\u00dfen dem Betrachter neue Sichtweisen auf die Welt: In den unterschiedlichen k\u00fcnstlerischen Positionen basieren Wissen und<\/em> \u00c4sthetik auf irdischen Naturph\u00e4nomenen und verweisen ebenso auf unsere kosmische Natur \u2013 Kunst als Erfahrung von Transzendenz, eines \u00fcberschreitenden Denkens und F\u00fchlens von Endlichkeit.<\/p>\n\n\n\n

Die Erkundung menschlichen Bewusstseins in einem Zeit-Raum-Kontinuum betreibt Julian Charri\u00e8re mit seiner Installation \u201eOn the Sidewalk\u201c (Auf dem Gehweg). Stein-Bohrkerne von unterschiedlichen geografischen Orten und Tiefen verk\u00f6rpern Zeitlinien der Menschheitsgeschichte ebenso wie eine individuelle biografische (zuf\u00e4llige) Konstruktion. In einem sch\u00f6pferischen Ritual von Zerlegen und Zusammenf\u00fcgen er\u00f6ffnet er Dialoge zwischen Zeit- und Kulturspr\u00fcngen und deren dinghaften Zeugen, umklammert, in einer neuen variablen architektoralen Skulptur.<\/p>\n\n\n\n

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Julien Charri\u00e8re<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Die vielf\u00e4ltigen individuellen Deutungsm\u00f6glichkeiten verleihen den Werken ihre Bedeutung, nicht die Werthaltigkeit des Materials. Statische Gedanken absto\u00dfen \u2013 ein Thema im Werk von Jacqueline Diffrings Bronzeskulpturen \u2013 schafft Freiraum f\u00fcr FUTURE NOWS, f\u00fcr ein Nachdenken \u00fcber die Zukunft der Gegenwart und die Gegenwart von Zukunft.
In einem sinnlichen Klang von Poesie, Licht und Zeit ist \u201eFreisetzung\u201c von Fabian Knecht als fl\u00fcchtiges Erlebnis einer Rauchformation exemplarisches Beispiel f\u00fcr Gestaltgebung von Energie- und Spannungsfeldern. In der Ambivalenz von \u00c4sthetik und simulierter Bedrohung erzeugt er eine existenzielle Verbindung zwischen dem Betrachter und dem Symbolwert der ephemeren Plastik.<\/p>\n\n\n\n

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Fabian Knecht<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

Die K\u00fcnstler vergegenst\u00e4ndlichen essentielle \u00f6kologische, politisch-gesellschaftliche Fragestellungen und Absurdit\u00e4ten unserer Zeit, entwerfen Zukunftsszenarien und entlarven T\u00e4uschungen. In einer Zeit von Perceptual Computing, der digitalen Wahrnehmungsverarbeitung, beweist sich Kunst im architektonischen wie im gesellschaftlichen Raum als ein analoger vision\u00e4rer Erfahrungshorizont, der Wirklichkeit und<\/em>Wahrhaftigkeit reklamiert.
Der Zugang zum Innenraum der Nationalgalerie ist verhangen. Sophia Pomp\u00e9ry verweist mit ihrer monumentalen Landkarte kosmischer wetterbestimmender Str\u00f6mungen, die nur bei Sonnenlicht (Illumination) sichtbar werden, einerseits auf die menschliche Substanz als Teil und in Abh\u00e4ngigkeit von kosmischen Bedingungen und deren unbewussten Auswirkungen auf Handlungen und Entscheidungen, andererseits thematisiert sie pr\u00e4gnant diesseits\/jenseits des Vorhangs Verortungen von  physischen und psychischen Wahrnehmungsdifferenzen und \u00f6ffnet mit diesem \u201eVerh\u00e4ngnis\u201c dem Besucher den Zugang zu einer imagin\u00e4ren, Realit\u00e4t bildenden Welt.<\/p>\n\n\n\n

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Sophia Pomp\u00e9ry<\/figcaption><\/figure>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2015<\/strong>
YUNI KIM<\/strong> wird mit dem Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2015 ausgezeichnet.<\/p>\n\n\n\n

Das skulpturale Werk von Yuni Kim bindet Installation, Fotografie, Malerei, Sound- und Videokunst in das k\u00fcnstlerische Schaffen ein. Die wesentlichen Themen der koreanischen K\u00fcnstlerin sind gepr\u00e4gt von einer Philosophie, die f\u00fcr jegliche Existenzform, ob Pflanze, Tier, Mensch oder Gegenstand eine gleichwertige Achtung, Beachtung und W\u00fcrde fordert.
Die Beseelung aller Dinge als gedankliche Voraussetzung erm\u00f6glicht und provoziert den Transfer von emotionellen Erfahrungen und Erlebnissen in eine Gegenst\u00e4ndlichkeit, die Yuni Kim in eine authentische k\u00fcnstlerische Ausdrucksform wandelt, sinnlich und konzeptuell. Die technischen analogen und digitalen Medien treten nie dominant in Erscheinung, die Konzentration des Betrachters wird somit direkt auf die Inhalte und ein \u00e4sthetisches Erlebnis gelenkt.
Die Poesie ihrer Arbeiten zieht den Betrachter in ihren Bann und konfrontiert ihn mit den elementaren Themen unseres Daseins. \u201eLeben durch Tod\u201c (2015). \u201eWie ich bin, wie du bist\u201c (2014), beschreibt die Sehnsucht nach Harmonie (vgl. Diffring: \u201eSuche nach einem verborgenen Gleichgewicht\u201c) ebenso wie die Arbeiten \u201eHow I become you?\u201c (2015), und \u201eEins\u201c (2015). Yuni Kim sieht die Einheit der Welt, der Materie, der Elemente \u2013 in ihrer Vielheit (\u201eyou and me and something like you\u201c, 2015).
Elementarer Bestandteil ihrer Arbeit ist die Auseinandersetzung mit der Zeit (\u201eJetztzeit und Sp\u00e4terzeit\u201c, 2010), mit Lebenszeit und Verg\u00e4nglichkeit, mit Erinnerung (\u201eWhere the missing things are\u201c, 2015). Sie befragt Wirklichkeit, in dem sie dem unmittelbar Sichtbaren, dem sogenannten Realen, eine andere Instanz des Existierenden im \u201aUn-fassbaren\u2019 (virtuell) gegen\u00fcberstellt.
Mehrere Wirklichkeiten beziehen sich aufeinander, \u00fcberlagern sich, verschmelzen, bleiben eigenst\u00e4ndig. Eine unsichtbare Welt wird imagin\u00e4r durch den Schatten eines abwesenden Objekts real sp\u00fcrbar. So, wie \u00fcber Erinnerung mit der Kraft der Vorstellung in Gedanken eine Situation aus der Vergangenheit wieder erlebt \u2013 und f\u00fcr die Zukunft bewahrt werden kann.
Yuni Kim kreiert Schatten, sie entstehen nicht zuf\u00e4llig. Schatten sind Bedeutungstr\u00e4ger. Kein blo\u00dfes Echo oder \u201aBild hinter dem Bild\u2019 oder attraktiver Effekt, eher die Vervielfachung des Gleichen zu immer wieder Neuem. Sie verleiht dem Schatten eine eigene Bewusstheit. Als \u201aalter ego\u2019 stellt der Schatten Bez\u00fcge zu \u201adem Anderen\u2019, \u201adem Un-begreiflichen\u2019 her.
Alltagsgegenst\u00e4nde erhalten in ihrer Anordnung eine Wertachtung, die ihre kulturelle Symbolik unterstreicht. Yuni Kim macht sichtbar, dass alle Objekte eine Geschichte haben, Z\u00fcge des Lebens tragen. Die Beziehungen der Dinge zueinander erregen Assoziationsketten zu individuellen, ethischen, ethnologischen Ph\u00e4nomenen. Sie betreibt eine Arch\u00e4ologie der Gegenwart, wobei sie klischeehafte Wahrnehmungsmuster entlarvt, statische Kategorien aufbricht (vgl. Diffring: Statische Gedanken absto\u00dfen).
Abdr\u00fccke sind Eindr\u00fccke, hinterlassene Spuren, wie ein Fu\u00dfabdruck im Sand. Sie verweisen auf eine \u201aPr\u00e4senz in absentia\u2019 und auf eine \u201aconditio humana\u2019, bestimmt von Licht und Schatten, von Bewusstsein und Unbewusstsein, Anwesenheit und Abwesenheit. Und Yuni Kim macht uns beide Seiten in Gleichzeitigkeit sichtbar. Sie schenkt dem Betrachter ein Weltbild, dass das Leiden an der Wirklichkeit \u00fcberwunden hat und das IST und das SEIN befreit bejahen kann.
(Joachim Becker, 09\/2016)<\/p>\n\n\n\n

YUNI KIM
lebt und arbeitet in Berlin seit 2011, geboren am 04.09.1984 in Busan, S\u00fcd Korea
2005          Hongik University of Fine Arts, Seoul
2012-2015 Universit\u00e4t der K\u00fcnste Berlin (Udk)  bei Prof. Leiko Ikemura
2015          MFA Hunter College, New York
2016          UdK Absolventin. Meistersch\u00fclerin bei Prof. Michael M\u00fcller<\/p>\n\n\n\n

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DIFFRING PREIS F\u00dcR SKULPTUR 2016<\/strong>
an Studierende der Universit\u00e4t Koblenz f\u00fcr die Ausstellung \u201cet continua\u2026 – Hommage
an Jacqueline Diffring\u201d, kuratiert von Stefanie Br\u00fcning.
K\u00fcnstler: Anna Balthasar, Elena Boots, Isabella Boots, Iris Brahm, Anna Eufinger, Paul Haustov,
Stefanie H\u00fcllen, Sabrina Kessler, Lea Lansch, Alina Lob, Johanna Memmesheimer,
Raphael Memmesheimer, Louisa Philippi, Baharak Rezvan, Laura Rothmund, Julian Sch\u00e4fer,
Kristina Schmitt, Annette Simon, Magdalena Thielen, Kristina Wendtnagel.<\/p>\n\n\n\n

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Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2017<\/strong>
Gary Schlingheider<\/strong> erh\u00e4lt den Diffring-Preis f\u00fcr Skulptur 2017.<\/p>\n\n\n\n

Am Anfang war Malerei, nach naturalistischen Selbstportraits der Bruch zu abstrakt und ausdrucksstarken Kompositionen von Farbfl\u00e4chen. Aus ihr heraus erobert die Linie, das Lineare den Raum \u2013 selbst\u00e4ndige, dreidimensionale Zeichnungen.
Vierkantstahl ist sein bevorzugtes Material. Gary Schlingheider ist der Essenz der Dinge auf der Spur, verborgen in archaischer Sch\u00f6nheit. Von analytischem Sehen allt\u00e4glicher Gebrauchsgegenst\u00e4nde ausgehend \u2013 mit ihren emotional besetzten Bindungen \u00ad\u2013 wird ein Objekt zun\u00e4chst abstrahierend von Emotionen und Bedeutungen befreit, auf eine rein ideologiefreie Form reduziert bis die Linie die Organisation des k\u00fcnstlerischen Werkes dominiert.
K\u00fcnstlerische Wurzeln liegen in der \u201eKonkreten Kunst\u201c, dem reinen Ausdruck von harmonischem Ma\u00df und Gesetz verpflichtet, \u201e\u2026(sie) ordnet Systeme und gibt mit k\u00fcnstlerischen Mitteln diesen Ordnungen das Leben\u201c (Max Bill). Im Minimalismus findet Schlingheider das Streben nach Objektivit\u00e4t, schematischer Klarheit, Logik und Entpers\u00f6nlichung als Maxime (Donald Judd).
Ein spiritueller Pate ist besonders Ellsworth Kelly: abstrakte Darstellungen mit klaren Linien, unvermischte, stark akzentuierte Farben, \u201eHard Edge\u201c. Skulpturale Malerei und malerische Skulptur. Vom Einliniensystem zu einem Mehrliniensystem entwickelt Gary Schlingheider spannungsreiche Kommunikationsbeziehungen, die von einer Sehnsucht nach Harmonie zeugen.
\u201e30 MM\u201c \u2013 reine Formen, freie Module, werden variabel zueinander in Beziehung gesetzt, sich vielschichtig \u00fcberlagernd,  paarweise oder als einzelnes Element Position beziehend. Die formgebenden, rahmenhaften Stahlzeichnungen umschlie\u00dfen einen Leerraum, einen Denkraum, der an Rundungen, Ecken und Kanten vorbei zu intellektuellen wie zu emotionalen Erlebnissen f\u00fchrt. Schlingheider aktiviert Zwischenr\u00e4ume, die Architektur des Ortes und die Wahrnehmung des Betrachters.
Fl\u00e4chen, Volumen, entstehen in (Bilder-) Stahlrahmen. Monochrom bemalt ums\u00e4umen, focussieren sie Leere, die wie ein Spiegel den Betrachter befragt, ihn einerseits sich selbst ausliefert, andererseits ihm \u00fcber die gesetzten Grenzen hinaus Freiraum schenkt, Entgrenzung. Autonomie. \u201eDas Bild\u201c entsteht in der geistigen Welt des Subjekts.
Im Werk von Gary Schlingheider reklamieren Farbe und Form Autonomie, in einer Zeit gesellschaftspolitischer Polarisierungen und auch als Gegenbewegung zu einer Kommerzialisierung der Kunst. Farbgebung, rosa, hellblau, t\u00fcrkis oder schwarz schafft Sph\u00e4ren, Stimmungen. Schlingheider \u00e4sthetisiert nicht, sein Farbauftrag l\u00e4sst bewusst Pinselspuren und sichtbare Arbeitsprozesse zu. Dadurch erf\u00e4hrt das formal Sch\u00f6ne eine \u00e4sthetische Emotion, f\u00fcr die die Form der N\u00e4hrboden ist.<\/p>\n\n\n\n

Inszenierte Rahmen (\u201e3DPLUS\u201c), an der Wand oder im Raum positioniert, bieten dem Betrachter einen realen und imagin\u00e4ren Handlungsspielraum mit unbegrenzten Wahrnehmungsm\u00f6glichkeiten. Schlingheiders Werke stellen Bez\u00fcge und Relationen  zum Au\u00dfen her, zu einer von der jeweiligen Architektur definierten Struktur, die somit selbst Bestandteil einer architekturalen Skulptur wird (vgl. Diffring: \u201eG\u00f6tter oder architekturale Skulptur\u201c). Die Kunst von Gary Schlingheider stellt dem medialen Dickicht digital manipulierter Realit\u00e4t objektive Strukturen entgegen.
(Joachim Becker, 12\/2017<\/em>)<\/p>\n\n\n\n

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